El Arte Prehistórico

Esta manifestación artística es una de las más amplias a nivel cronológico, ya que abarca la edad de piedra, la cual se divide en: Paleolítico, mesolítico y neolítico. Este arte se inicia en Europa, no obstante, tuvo un alcance global, llegando a desarrollarse en cada uno de los continentes.

Se cree que  el arte nació en Europa occidental hace más de 30 000 años y se desarrolló especialmente durante el Paleolítico Superior en Francia, España y otros países, con una calidad increíble. El arte, tanto parietal como mobiliar, aparece sobre todo en las cuevas de las costas del Cantábrico español y el sur de Francia , aunque también se extiende por otras regiones europeas, pero con menor intensidad.

Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.

Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto prehistórico que existe en algunas rocas y cavernas.

Arte mobiliario

Pintura rupestre

El arte mobiliario o arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consiste en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o modelados toscamente en arcilla.

Como arte megalítico se reconoce a los monumentos formados por piedras grandes y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para formar una estructura, levantadas bien con fines religiosos o bien como lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos destacados. Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del bronce.

Arte megalítico

Es la vida religiosa la que determina en gran parte, y juntamente con la magia, el arte prehistórico.

Las formas religiosas como la danza demuestran un verdadero culto que ser  también una manera de manifestación artística.

En la escultura prehistórica la mujer fue considerada como un ser misterioso que toma la misión de propagar la especie; este misterio de la procreación indujo al hombre a inspirarse en ella para su arte primitivo.

La cueva francesa de Pech-Merle (Dordoña) presenta pinturas de singular objetividad; en ella el paisaje quiere ser ya esbozado, pero la mano es el símbolo que predomina en esta cueva, que tiene una antigüedad de unos 40 mil años.

Otra cueva de gran importancia en el arte magdaleniense francés es la de Niaux (Ariége). En ella predominan los fondos blancos y los rasgos negros. Estos colores como el rojo y el amarillo, fueron logrados con las mencionadas tierras colorantes con polvo de carbón, con carbonato de calcio y ocres de varias tonalidades.

La arquitectura de la prehistoria ha recibido el nombre de megalítica, por las grandes piedras que fueron usadas.

Los primeros metales usados por el hombre fueron el oro y el cobre y posteriormente, al conocer las propiedades del estaño, se inventó el bronce.

Los escudos, de madera, serán ahora recubiertos por chapas de hierro con adornos geométricos e incluso habrá joyas del mismo metal.

La prehistoria no es solamente una etapa primitiva en la que existieron pinturas, cavernas y utensilios, sino también un conjunto de  costumbres que hoy día prevalecen de esa época.

El Arte Bizantino

El arte bizantino es aquel que se desarrolló en la ciudad de Bizancio, desde el siglo IV, extendiéndose a partir del siglo VI por el Imperio Romano oriental. Este arte tenía una gran influencia religiosa. Los motivos religiosos envolvían  todo el arte en Bizancio.

Estaban dentro de los templos en las paredes o como objeto específico del culto a través de estatuas o también como pequeños y portátiles objetos de veneración a los que se les conoce con el nombre de Iconos, además, se  tiene a Cristo como tema central. . En Arquitectura se destacaron las basílicas con cúpulas, o las iglesias con forma de cruz griega, siendo una característica predominante el uso de arcos y capiteles decorados. En el exterior continuaron usando el ladrillo y la piedra.  Las bóvedas de aristas o la suntuosidad decorativa serán algunas de sus principales características. La planta favorita es la de cruz griega, envuelta en un espacio cuadrangular que permita el uso y disfrute de cúpulas y bóvedas.

Su edificio más significativo es la iglesia de Santa Sofía de Constantinopla, levantada en tiempos de Justiniano, quien pronunció una frase significativa cuando se acabó: "Salomón, te he vencido" en referencia a haber superado el mítico templo de Jerusalén construido por Salomón. Lo más sorprendente de la iglesia es su espectacular cúpula de 31 metros de diámetro cuyos empujes se contrarrestan con dos bóvedas de cuarto de esfera que descansan en otras bóvedas.

 Justiniano también mandó construir la iglesia de los Santos Sergio y Baco con planta octogonal y dos pisos o el desaparecido templo de los Santos Apóstoles, con planta de cruz griega y cinco cúpulas. En Ravena se desarrolló otro importante centro de arquitectura bizantina al ser esa ciudad capital del exarcado.

En esa ciudad se construyeron las iglesias de San Vital -con planta de cruz griega- y San Apolinar in Classe y San Apolinar el Nuevo -donde se empleó la planta basilical que fue dividida en tres naves a través de columnas-, destacando la bella decoración de mosaicos en estas dos últimas. El movimiento iconoclasta motivará el escaso desarrollo de la escultura bizantina; sólo conservamos algunos ejemplares de pequeño tamaño como placas de marfil formando dípticos o trípticos, entre las que destaca la Cátedra de Maximiliano.

Las labores textiles se inspiraron en los modelos sasánidas (motivos encerrados en círculos); en la orfebrería sobresale el uso de los esmaltes sobre metales preciosos, siguiendo la técnica del tabicado o alveolado de origen germánico, en el que los colores se separan por filamentos de oro. La obra maestra de la orfebrería es la Pala de Oro, San Marcos de Venecia o el icono esmaltado de San Miguel del mismo templo.

Sobresalen también los llamados Cristo Pantocrátor, que son figuras de Jesús rodeado de un aura de luz blanca (que simboliza la pureza), y se encuentra con las piernas cruzadas. En una de las manos tiene el dedo índice levantado y en la otra mano las Sagradas Escrituras Esta imagen denota temor, mando e incluso miedo. Podemos destacar el Pantocrátor del Museo de Santa Sofía de Constantinopla.

El Barroco Burgués

Como burgués, se denomina al individuo perteneciente a la burguesía. La burguesía es una clase social dominante en los sistemas capitalistas, propietaria de los medios de producción, el comercio y las finanzas. En este sentido, cuando se designa a una persona como burguesa, se está haciendo referencia a que pertenece a la clase acomodada, poseedora de propiedades y capital.

En el arte barroco burgués, se va a destacar la pintura como principal disciplina artística. Este debe su nombre a la sociedad burguesa, ya que esta tuvo un rol muy importante como distribuidor y consumidor en este arte.

Eso significa que las personas menos pudientes económicamente no tenían la posibilidad de adquirir las distintas obras pertenecientes al barroco burgués debido a sus elevados precios. Con el desarrollo del capitalismo el arte tuvo un gran desarrollo, puesto que en el pasado solo los miembros más ricos de la sociedad tenían acceso a este lujo.

El arte burgués era consumido por dos clases de burgueses: la burguesía alta, integrada por profesionales, comerciantes, funcionarios, etc.; y la burguesía baja, formada por artesanos y tandistas  adinerados. Los burgueses tenían un destacado cargo económico, es decir,  la sociedad burguesa aparte de adquirir las obras, también producía riqueza a quienes las vendían. En ocasiones estos se caracterizaban por su vanidad, dado que, trataban de adquirir la mayor cantidad de obras posibles para competir con los demás consumidores de este arte.

Los burgueses contaban también con beneficios gubernamentales, pues, se les permitía participar de manera directa en el ámbito municipal. Estos debían mantener lo que se llamó ``ética protestante``, donde debían tener cierta dedicación al trabajo, templanza, la delicadeza, la gratificación, etc. La clase burgués tenía sus inclinaciones ideologicas, las cuales tenían ciertos instrumentos de carácter religioso para acercarse a lo divino.

Los gobiernos municipales eran controlados por la burguesía y no la aristocracia. El poder comercial lograba que las expresiones barrocas se encuentraran en espacios públicos, como mercados, oficinas o almacenes, que además de ser un gran número son  fuente riqueza. 

Debido a la riqueza que florece en estos países las interpretaciones artísticas toman como referentes personajes burgueses, que son los que costean las obras, y consiguiendo que el arte Barroco en estos países, principalmente en Holanda, sea denominado Burgués.

En si la ciudad constituía el horizonte esencial del mundo burgués y esto era cierto en el ámbito de la política más que en ningún otro.

En algún la Iglesia deja de ser el principal cliente del artista. Por lo que el artista holandés estaba a merced del mercado, esto ocasionó deterioro en la económica de los oferentes. El artista era libre y sin ataduras de los designios de un patrocinador, pero a la vez pobre y sin recursos, los artistas que no tuvieron problemas fueron los que tenían una orientación clasista porque eran apoyados por los círculos de personas ricas e ilustradas. La iconografía holandesa, solo excepcionalmente, es religiosa.

El Renacimiento en Roma

Podemos decir que el renacimiento en roma se inicia aproximadamente en la segunda mitad del siglo XV. Este nace específicamente en Florencia , aquí se encuentran una gran cantidad de teatros , distintos Pintores,escultures y arquitectos dieron al conocer al mundo sus más importantes obras .

En esta época la iglesia indico a distintos artistas y arquitectos la reconstrucción de iglesias y edificios antiguos que fueron decorados y enriquecidos con obras artísticas, muchas de estas obras actualmente pueden ser apreciadas en la ciudad de Roma.

La Domus Aurea

La Domus Aurea es un gran edificio situado en la colina del Esquilino construido por Nerón. Las maravillosas decoraciones se mantuvieron ocultas hasta el Renacimiento, cuando unos artistas, como Rafael y Pinturicchio, empezaron a reproducirlas en sus obras, permitiendo así que el público las conociera. En la actualidad es posible visitar este edificio para admirar esta impresionante obra que nos espera desde la antigüedad.

Otra importante reconstrucción y decoración  fue la que se hizo a La Capilla Sixtina,  actualmente es la capilla de la Basílica de San Pedro y la estancia más conocida del Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano, la residencia oficial del papa.

Para los distintos amantes de este arte es recomendable visitar también  la Galería Borghese, dónde hay muchas obras importantes de Rafael y de Caravaggio. Testimonios del arte del Renacimiento se encuentran adondequiera paseando por la ciudad de Roma, entre los edificios Renacentistas está el Palazzo Farnesio construido por Antonio de Sangallo y acabado por Miguel Ángel, Palazzo Spada, sede de la Galería Spada, Palazzo de la Papelería, sede actual del Tribunal de la Rota Romana y el maravilloso Palazzo Venezia.  La fachada renacentista de la iglesia de San Luis de los Franceses, obra de Giacomo della Porta y la iglesia de Santa María della Pace, dónde se pueden admirar las capillas planeadas por Sangallo, las "Sibilas" pintadas por Rafael, los frescos de Baldassarre Peruzzi y sobre todo el famoso claustro del Bramante.     

Entre los artistas más destacados de la época podemos destacar a  Miguel Ángel y Rafael de Urbino, los cuales estuvieron a cargo de muchos trabajos artísticos realizados en esta época.

Miguel Ángel es considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.1 Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia y los diferentes papas romanos.

Rafael de Urbino, además de su labor pictórica, que sería admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y, como inspector de antigüedades se interesó en el estudio y conservación de los vestigios grecorromanos.

Para los distintos amantes de este arte es recomendable visitar también  la Galería Borghese, dónde hay muchas obras importantes de Rafael y de Caravaggio. Testimonios del arte del Renacimiento se encuentran adondequiera paseando por la ciudad de Roma, entre los edificios Renacentistas hay el Palazzo Farnesio construido por Antonio de Sangallo y acabado por Miguel Ángel, Palazzo Spada, sede de la Galería Spada, Palazzo de la Papelería, sede actual del Tribunal de la Rota Romana y el maravilloso Palazzo Venezia. 

El Arte Del Renacimiento

Se denomina así a la  época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El Renacimiento rompe, conscientemente, con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte contemporáneo del Norte de Europa.

El Renacimiento supone una nueva forma de entender el arte. Las artes liberales ya no están controladas por los gremios, sino bajo la protección de los muchos príncipes y la burguesía.

Características

Aqui Surge una nueva relación con la Naturaleza. El Renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas. 

El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas, superada la tradición teocéntrica medieval.

Arte

En el apartado de arquitectura renacentista se pondrá especial atención a dos subestilos o modalidades tan castizas como el plateresco y el estilo herreriano. En la página de escultura se dividen los artistas en los tres tercios de la centuria pues se trata de un arte en constante evolución. Trataremos escultores tan significativos como Vasco de la Zarza, Diego de Siloe, Juan de Juni, Alonso Berruguete, la familia Leoni, etc.

En lo concerniente a la pintura renacentista del siglo XVI hay que tratar a Juan de Juanes, Alonso y Pedro Berruguete, Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Luis de Morales "El Divino" pero muy especialmente el sublime y espiritual genio del manierismo "El Greco".

Elementos decorativos

Pilastras, frontones, pórticos, decoración heráldica, almohadillado, voluta , medallones...

Desde un principio la arquitectura renacentista tuvo un carácter profano, y, lógicamente, surgió en una ciudad en donde el Gótico apenas había penetrado, Florencia; en la Europa de las grandes catedrales, se implantó con dificultades.

Se caracterizó por el empleo de proporciones modulares, superposición de órdenes, empleo de cúpulas e introducción del orden colosal. En el Quattrocento fue frecuente recurrir a columnas y pilastras adosadas, a los capiteles clásicos (con preferencia el corintio, aunque sustituyendo los caulículos por figuras fantásticas o de animales), los fustes lisos y el arco de medio punto, a la bóveda de cañón y de arista, así como a cubiertas de madera con casetones.

Personajes

Leonardo Da Vinci es uno de los grandes maestros del Renacimiento famoso como pintor , escultor, arquitecto, ingeniero y científico. Encantado por el conocimiento y la investigación, sus innovaciones en la pintura determinarían la evolución del arte italiano, siendo sus investigaciones científicas sobre anatomía, óptica e hidráulica anticipos de los avances modernos.

En marzo de 1503 regresa a Florencia donde retoma la pintura, con la obra reconocida llamada "La Gioconda" o "Mona Lisa" en 1479 que sería un retrato de Lisa del Giocondo por encargo de su esposo Francesco del Giocondo, por entonces Rafael Santi era un visitante asiduo del taller de Leonardo, quedando admirado por esta obra que se convertiría en modelo a seguir, pero Leonardo tampoco entregaría el retrato a Francesco del Giocondo y también se retrasó en su conclusión. 

El Barroco

El barroco fue un periodo originado por una nueva forma de concebir las artes visuales, en él se produjeron numerosas obras en distintos campos artísticos: literatura, arquitectura, escultura, pintura, música, ópera, danza, teatro .Este se desarrolló principalmente en Europa occidental.

El Barroco surgió a principios del siglo XVII en Italia, período también conocido en este país como Seicento, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa.

El Barroco surgió a principios del siglo XVII (según otros autores a finales del XVI) en Italia —período también conocido en este país como Seicento—, desde donde se extendió hacia la mayor parte de Europa.

Características

El Barroco español es una poderosa mezcla de ornamentación y sobriedad.

El arte será utilizado como argumento convincente del poder católico.

El arte se dirigirá antes a la sensación que a la razón.

Una enorme variedad, ya que cada autor es un estilo distinto, lo que hace difícil, y a veces imposible, una clara agrupación por escuelas

Arquitectura

La arquitectura barroca asumió unas formas más dinámicas, con una exuberante decoración y un sentido escenográfico de las formas y los volúmenes. Cobró relevancia la modulación del espacio, con preferencia por las curvas cóncavas y convexas, poniendo especial atención en los juegos ópticos y el punto de vista del espectador.

Escultura       

                                            

El signo que caracterizó a las artes figurativas españolas fue, ante todo, el realismo. La temática quedó fijada por quien es casi único cliente: la Iglesia. Pero ante los retablos de pura arquitectura clásica se alzan, ahora, retablos libres en los que la escultura aparecerá exenta y rara vez en bajorrelieves. El menor papel que la escultura ocupa en los retablos viene compensado por la proliferación progresiva de esculturas independientes. En cuanto a los materiales, en general se talla en madera, la cual después se policroma. Esta policromía viene a reforzar el profundo sentido realista que no consiste en copiar la realidad, sino en hacer eterno lo efímero.

La escultura barroca adquirió el mismo carácter dinámico, sinuoso, expresivo, ornamental, que la arquitectura ,con la que llegará a una perfecta simbiosis sobre todo en edificios religiosos—, destacando el movimiento y la expresión, partiendo de una base naturalista pero deformada a capricho del artista.

En Italia destacó nuevamente Gian Lorenzo Bernini, escultor de formación aunque trabajase como arquitecto por encargo de varios papas.

Pintura

Características:

Ausencia de rasgos, que fueron habituales y definidores, especialmente en Italia, durante el Renacimiento: lo heroico, los tamaños superiores al natural, las glorias corales de los fresquistas italianos. Predomina una cierta intimidad y un sabor de humanidad poco o nada teatral. En resumen, se prefiere un equilibrado naturalismo y se opta por la composición sencilla.

Predominio de la temática religiosa. La expresión del sentimiento religioso se ve ayudada por elementos tales como el éxtasis, la mirada dirigida al cielo, el movimiento de la composición.

Ausencia de sensualidad, por obra de una implacable vigilancia que no se ablanda en España.

El Estilo Gótico

Estilo Gótico. Se denomina así al estilo artístico que se desarrollo en Europa occidental durante la Plena y Baja Edad Media, en lo que comprende desde mediados del siglo XII hasta la implantación del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más tiempo. Se trata de un amplio período artístico, que surge en el norte de Francia y se expande por todo Occidente.

Origen

El arte gótico  coincide en el tiempo con la plenitud y la crisis de la Edad Media. Sin embargo no solamente fue una época de esplendor sino que hubo una acentuación, especialmente a partir de la crisis del siglo XIV, de los conflictos y la disidencia como revueltas populares, herejías, desarrollo y crisis de la escolástica, Cisma de Occidente, y finalmente durante estos siglos acontecieron la Peste Negra y la Guerra de los Cien Años en un mundo tan cambiante que únicamente puede entenderse en términos de una mutación fundamental .

Características

Frente a las pequeñas y oscuras iglesias rurales del románico, el gótico eleva, como su obra arquitectónica emblemática, prodigiosas catedrales llenas de luz, desarrolla una importante arquitectura civil e independiza a las otras artes plásticas (pintura y escultura) de su subordinación al soporte arquitectónico.

Los nuevos edificios religiosos se caracterizan por la definición de un espacio que quiere acercar a los fieles, de una manera vivencial y casi palpable, los valores religiosos y simbólicos de la época. El humanismo incipiente liberaba al hombre de las oscuras tinieblas y le invitaba a la luz. Este hecho está relacionado con la divulgación de las corrientes filosóficas neoplatónicas, que establecen una vinculación entre el concepto de Dios y el ámbito de la luz.

Arquitectura

A nivel arquitectónico, el estilo gótico nació en torno a 1140 en Francia, siendo considerada como el primer monumento de este movimiento la basílica de la abadía real de Saint Denis (edificada por el abad Suger, consejero de Luis VII de Francia)

En la escultura gótica las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora (el catecismo de los analfabetos, la inmensa mayoría de la población) pero cada vez se emancipa más (paso del relieve al bulto redondo). La escultura gótica evolucionó desde un estilo alargado y rígido, aún en parte románico, hacia un sentimiento espacial y naturalista a finales del siglo XII y principios del siglo XIII. La influencia de las esculturas griegas y romanas que aún se conservaban se incorporaron al tratamiento de las telas, las expresiones faciales y la pose.

Escultura

Las esculturas góticas nacieron en los muros de las iglesias,las tallas en piedra continúan usándose para la decoración de la arquitectura, además de cumplir la función evangelizadora.

          Pintura

La representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro técnicas principales:

Frecos                                   Miniaturas

Pintura al oleo                       Pintura sobre tabla

Vidrieras